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Bill Viola videoartista

“La cámara guarda el alma y mantiene vivas a las personas”

Es uno de los padres del videoarte. Desde el 28 de junio y hasta el 9 de noviembre, el Guggenheim ofrece un recorrido por los 40 años de su brillante trayectoria

Una entrevista de Maite Redondo Fotografía José Mari Martínez - Martes, 8 de Agosto de 2017 - Actualizado a las 06:10h

Bill Viola

Bill Viola (José Mari Martínez)

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Bill Viola

Donostia- Algunos le han denominado ya como el “Rembrandt de la era del videoarte”. Posiblemente, si el pintor holandés del siglo XVII hubiera vivido en la actualidad, usaría las herramientas que tendría disponibles en este momento porque, según Bill Viola, una cámara puede tener tanta espiritualidad como un pincel. El videoartista estadounidense protagoniza una de las citas artísticas más interesantes en el Guggenheim Bilbao, con una retrospectiva con 27 de sus obras realizadas a lo largo de su carrera, desde Cuatro canciones,creada en 1976, hastaNacimiento invertido, de 2014. Un recorrido en el que se puede apreciar una evolución técnica y artística, y que aporta una completa visión de su trayectoria en la que su contenido poético aborda cuestiones como el tiempo, la relación del hombre con la naturaleza y la vida humana. A sus 66 años, Viola es uno de los referentes más notables y pioneros en el desarrollo del videoarte.

No es la primera vez que expone en el Guggenheim. En 2004, el museo mostró cuatro de sus obras y ahora, su evolución en más de 40 años. Las tecnologías han cambiado pero no sus preocupaciones.

-Sí, los temas que he explorado en los últimos 40 años se han desarrollado a partir de exploraciones sobre la manipulación del tiempo y el espacio y experimentos que cuestionan nuestra conciencia humana, además de temas más universales como el nacimiento, vida, muerte y renacimiento. En esta muestra hay un resumen de ello. No hay respuestas, pero he pasado toda una vida trabajando en las preguntas.

Cuando era niño, casi se ahogó en un lago. La obsesión por el agua ha sido recurrente en su trabajo.

-He utilizado el agua en muchas obras. Es un símbolo de vida (líquido amniótico), de purificación (bautismo), de muerte (ahogamiento) y de transformación (reflexión y disolución). Es una de las fuerzas de la naturaleza que es incontrolable, y puede infligir violencia, así como curar a través de la limpieza.

En la pieza ‘Heaven and Earth’, contrasta la muerte de su madre y el nacimiento de su hijo. ¿Qué importancia tiene la muerte y el nacimiento en sus creaciones?

-En el año 1991, falleció mi madre. Nueve meses más tarde, nació nuestro hijo pequeño. El hecho de encontrarme cara a cara con la muerte y la vida de esa manera era difícil de ignorar, así que hice tres obras que incluían, por primera vez, el mundo de mi familia:The Passing (1991), Nantes Triptych (1992), y Cielo y Tierra (1992). Todas estas piezas miran el nacimiento y la muerte directamente, no hay metáforas. Todo el mundo ha tenido experiencias de ambos estados.

En 1970, cuando era estudiante de arte, cogió por primera vez una cámara de vídeo.

-Me sorprendió la inmediatez del vídeo, el hecho de que se podía ver una imagen en el monitor o el proyector y no era necesario grabarla. O si lo grababas, se podría reproducir de inmediato. También se puede grabar sonido al mismo tiempo. Y por supuesto, lo más importante, estaba trabajando con la imagen en movimiento y con el tiempo.

En aquel tiempo, los cineastas convencionales pensaron que eran “idiotas” y que el vídeo no duraría, que era una técnica pasajera.

-El vídeo en ese momento producía una señal con baja resolución y difícil de editar. Los cineastas no entendían que su potencial era infinito, lo cual se ha demostrado hoy en día.

En todo caso, no había referencias sobre cómo usar el vídeo. En su caso, ¿cuáles fueron sus influencias?

-Nam June Paik fue muy influyente para mí, él me enseñó que no hay límites. Otros artistas como Peter Campus y Bruce Nauman también ayudaron a desarrollar el medio con sus instalaciones y vídeos. Pero en última instancia, mis maestros fueron los textos místicos que leía, desde el sufismo, el budismo y el cristianismo.

Una de sus obras, ‘The greeting’ está basada en una pintura manierista de Pontormo y también ha tenido influencias del Renacimiento. ¿Qué le inspiraron estas épocas?

-En 2000-2002 creé una serie de obras tituladas Las Pasiones. Era un tiempo en que había estado mirando el arte del Renacimiento y me inspiré en su humanismo. Visité los frescos italianos de Giotto y Signorelli y vi los cambios que habían tenido para lograr la armonía de la composición y el color, que es típico de las pinturas renacentistas. Pero también vi la emoción. Y eso es lo que yo quería expresar en mis trabajos de vídeo. A veces fue a través de la forma en que llegué a mi trabajo y otras, solo desde las emociones.

Algunas personas ya han definido su trabajo como pintura en movimiento. ¿Está de acuerdo?

-En primer lugar, me considero un artista, utilizo mis habilidades para crear una composición que funcione para mi idea, añadiendo capas y rellenando mi lienzo con un tema. En mi paleta, sin embargo, también tengo movimiento en el tiempo. Entonces la idea puede desarrollarse.

Cuando está trabajando en un proyecto, ¿qué viene primero: la tecnología o el concepto?

-A menudo mi inspiración viene de mis lecturas. A veces veo una visión de una imagen, y todo se vuelve claro en poco tiempo. Los nuevos equipos también me han inspirado alguna pieza. Cuando se dispuso de pantallas planas, por ejemplo, pude crear retratos íntimos de personas que parecían fotografías en movimiento.

Dice que “las cámaras son guardianes del alma”.

-Este medio guarda la vida. La grabación de una persona es capturada en un momento concreto y si se cuida de ella, ese momento puede durar mucho tiempo. La grabación mantiene viva a esa persona.

Sus obras están impregnadas de una gran espiritualidad. ¿Qué papel juega la religión en su trabajo?

-Mis obras no son religiosas. Estoy interesado en encontrar y expresar la vida interior del mundo que me rodea.

Está casado y trabaja con Kira Perov. ¿Qué papel juega ella?

-Kira ha sido mi socia y colaboradora. Viajamos juntos en muchos proyectos y ella ha estado conmigo en casi todas las producciones desde 1979. Ha ido asumiendo un papel más relevante a medida que los proyectos han ido creciendo, cuidando todos los detalles. También me aporta ideas creativas, organiza exposiciones, edita las publicaciones, y ha acumulado un gran archivo fotográfico.


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